Больш pinterest больш не падтрымліваецца на гэтым браўзэры, г.зн. 6

Мы выкарыстоўваем печыва і аналагічныя інструменты, якія неабходныя, каб вы маглі зрабіць пакупкі, для павышэння вашага вопыту пакупак і забяспечыць нашы паслугі, як дэталёва ў нашай печыва апавяшчэнне. Мы таксама выкарыстоўваем гэтыя печыва, каб зразумець, як кліенты выкарыстоўваюць нашы паслугі (напрыклад, шляхам вымярэння наведванняў сайта), таму мы можам зрабіць паляпшэнне.

Калі вы згодныя, а таксама выкарыстоўваць печыва, каб дапоўніць свой вопыт пакупак па крамах Амазонкі, як апісана ў нашым апавяшчэнне печыва. Гэта ўключае ў сябе выкарыстанне First- і трэціх бакоў печыва, якія захоўваюць або доступу да стандартнай інфармацыі прылады, такія як унікальны ідэнтыфікатар. Трэція бакі выкарыстоўваюць печыва для іх мэтаў адлюстравання і вымярэння персаналізаваных аб'яваў, генерацыі аўдыторыі, а таксама развіцця і павышэння прадукцыі. Націсніце наладзіць печыва, каб зніжацца гэтыя печыва, зрабіць больш дэталёвы выбар, або даведацца больш. Вы можаце змяніць свой выбар у любы час, наведаўшы печыва перавагі, як апісана ў апавяшчэнне печыва. Каб даведацца больш пра тое, як і для якіх мэтаў Amazon выкарыстоўвае асабістую інфармацыю (напрыклад, як гісторыі Amazon Store Order), калі ласка, наведайце наш абказвае апавяшчэнне.

фартэпіяна Sonata № 11, K331 3-й рух (Ала Turca) Людвіг ван Бетховен (1770-1827), оп. 113, турэцкі марш з руін Афін сціплы Mussorgsky (1839-1881), захопу Карс -Solemn сакавіка Johannes Brahms (1833-1897), оп. 4, квартэт для хору і фартэпіяна, флюкаць руху. У рамках захаплення ўсходняй культуры, турэцкая тэма з'яўляецца крыніцай натхнення ў галіне музыкі, а таксама іншыя галіны мастацтва. Магчыма, першыя прыклады гэта дзве часткі Моцарта. Найбольш важным з іх з'яўляецца адным з кампазітараў самых любімых опер, выкрадання з Seraglio, таму што яго прадмет, а таксама яго набор і музычныя тэмы адлюстроўваюць ўплыў усходніх тэмы. Натуральна, выкраданне ад Seraglio, які змяшчае ўсю характарыстыку Mozarts музычнай мовы, таксама важна, як доказ таго, што гэта вялікі кампазітар заходняй музыкі пад уплывам Асманскай культуры.

Гэта трох-акт оперы адбываецца ў 16-м стагоддзі, у Палацы Сялім Пашы. Музыкалагі кажуць, што перыяд, у якім гэтая опера была напісана (1781) быў характарызуецца турэцкай тэндэнцыяй, якая была ў модзе ў Еўропе ў цэлым, і ў Вене, у прыватнасці. Гэта заснавана на гістарычных падзей.

Mozarts іншы турэцка-тэматычны кавалак з'яўляецца трэцім рухам добра вядомага фартэпіяна саната № 11 (K331-300), турэцкі марш. Гэты падзел, з яго 2/4 метра і хуткі тэмп, з'яўляецца адлюстраваннем Janissary музыкі праз вушы Моцарта. Гэта добрыя доказы таго, што Моцарт, як і іншыя венскіх кампазітараў свайго часу, залежыць ад Mehter музыкі туркаў, якія двойчы акружылі Вену.

Пасля Моцарта быў Людвіг ван Бетховен (1770-1827), які, у яго часткі, руіны Афін (1811, оп. 113), уключаў турэцкі марш. Руіны Афін было напісана для гульні па тым жа назве нямецкага драматург жніўня Фрыдрых Ф. Von Kutsegue, які быў дэбютаваць ў новым нямецкай тэатры ў Будапешце 9 лютага 1812 года Бетховен быў натхнёны яго варыяцыямі для фартэпіяна ў г асноўнага оп. 76, якія ён напісаў у 1809. У чацвёртым актах гульні, Minerva абуджае з 2000-гадовага сну, каб знайсці Афіны ў руінах, і цяпер у руках турак. Пасля гэтай часткі, Марсія Ала Turca, які Бетховен апублікаваў у 1822 годзе на працягу чатырох рук фартэпіяна быў амаль гэтак папулярныя, як Mozarts Турэцкі марш.

Хоць іншыя кампазітары турэцкага тэматычных частак не праяўляюць такое відавочнае ўплыў на турэцкай музыцы, Johannes Brahmes і сціплы Mussorgsky ў 19-м стагоддзі піша дзве часткі запіскі. У сваім захопе карса, напісаных паміж 1839 і 1881, сціплым Мусаргскі ўключала кароткі матыў, гуляе духавыя інструменты, якая была нагадвае турэцкай музыкі. У сакавіку гэтага года з'яўляецца адным з кампазітараў рэдка выконваюцца творы.

19-га стагоддзя кампазітар, Johannes Brahmss кавалак квартэт для хору і фартэпіяна, опус 64, змяшчае раздзел, флюк (пытанні), словы, якія былі натхнёныя туркамі. У гэтай харавой працы, усталяваны ў тэкст Джорджа Фрыдрых Daumer, няма ніякага ўплыву турэцкай музыкі, аднак гэта паказвае, кампазітары цікавасць да гэтай тэме.

У дадатак да пяці частак, мы коратка разгледзелі тут, іншыя exmples будуць з'яўляцца. Але той факт, што добра вядомыя кампазітары, такія як Моцарт, Бетховен, Брамс і Мусаргскі вырабіў працы з турэцкімі тэмамі можна лічыць доказам, што еўрапейская культура была ў пэўных перыядах паўплывала на ўсходняй і, такім чынам, турэцкай культуры. Мы можам бачыць, што сярод прычын гэтага ўплыву з'яўляецца тое, што ўсход заўсёды служыў у якасці займальнай крыніцы натхнення да старога кантынента; Не толькі Турцыя, але цывілізацыі краін, такіх як Іран, Егіпет, Індыя, Японія і Кітай, як вядома, натхнёныя заходнія мастакі. Але Асманская імперыя, асабліва падчас яго ўздыму і заваёў у Еўропе, паўплывалі на еўрапейскія мастакі з яго таямніцай, маляўнічай і музыкай; Карацей кажучы, яго культура. Ці з'яўляецца прычына была страхам вайны або цікаўнасці, гэты ўплыў пры ўмове магчымасці для запісу частак, такіх як тыя, якія вырашаюцца тут.

барочная музыка

барока музыка стыль заходняй мастацкай музыкі, якая складаецца прыкладна ў 1600 да 1750. Гэтая эпоха рушыла ўслед ад рэнесансу, і рушыў услед ў сваю чаргу, класічнай эпохі. Слова барока прыходзіць ад партугальскага слова баррака азначае Misshapen жамчужына, адмоўнае апісанне багата і моцна ўпрыгожанай музыкі гэтага перыяду. Пазней, назва прыйшоў да ўжывання таксама да архітэктуры таго ж перыяду.

барока музыка ўтварае асноўную частку класічнай музыкі Canon, быўшы шырока вывучаны, выконваецца, і слухаў. Кампазітары ў барочнай эпосе ўключаюць Ёган Себасцьян Бах, Джордж Фрыдрых Гендэль, Алесандра Скарлаты, Domenico Scarlatti, Антоніо Вівальдзі, Генры Purcell, Георг Philly Telemann, Жан-Батыст Lully, Arcangelo Corelli, Tomaso Albinoni, François Couperin, Дзяніс Гацьня, Клаўда Мантэвердзі, Heinrich Шутца, Жан-Філіп Rameau, Jan Remanka Zelenka і Johann Pachelbel.

перыяд барока ўбачыў стварэнне танальнасці. У перыяд, кампазітары і выканаўцы выкарыстоўвалі больш складаную музычную арнамент, зробленыя змены ў музычнай абазначэнні, і распрацавалі новыя метады інструментальных гульняў. Барочная музыка пашырыла памер, дыяпазон і складанасць інструментальнай прадукцыйнасці, а таксама ўсталявалі оперы, кантаты, ororatorio, канцэрт і саната як музычныя жанры. Многія музычныя тэрміны і паняцці з гэтай эпохі ўсё яшчэ выкарыстоўваюцца сёння.

Этымалогія

Нягледзячы на ​​тое, што было доўга думаў, што слова як крытычны тэрмін быў упершыню ўжываецца да архітэктуры, на самай справе ён з'яўляецца раней са спасылкай на музыку, у ананімным, сатырычным аглядзе Прэм'еры ў кастрычніку 1733 года Рамозу Іпаліт і інш Aricie, Надрукаваныя ў ercure дэ Франс у траўні 1734 г. Крытык мае на ўвазе, што навінка ў гэтай оперы быў дзю Баракат, скардзячыся, што музыка не хапала кагерэнтнай мелодыі, быў запоўнены нястомным дысінасэнсамі, пастаянна змянілі ключ і метр, і хутка пабег праз кожны кампазіцыйны прыбор .

сістэматычнае прымяненне гісторыкаў тэрміна барока на музыку гэтага перыяду з'яўляецца адносна нядаўняе развіццё. У 1919 годзе Curt Sachs стаў першым, каб прымяніць пяць характарыстык Heinrich Wölfflins тэорыі барока сістэматычна да музыкі. Крытыкі былі хуткімі пад сумнеў спробы транзіраваць Wölfflins катэгорыі музыкі, аднак, і ў другім квартале 20-га стагоддзя незалежных спробаў былі зробленыя Manfred Bukofzer (у Нямеччыне і, пасля яго іміграцыі, у Амерыцы) і Сузаны Clercx-лежен (У Бельгіі) выкарыстоўваць аўтаномны, тэхнічны аналіз, а не параўнальныя абстракцыі, для таго, каб пазбегнуць адаптацыі тэорый на аснове пластыкавых мастацтваў і літаратуры да музыкі. Усе гэтыя намаганні прывялі да прыкметнага нязгоду пра час межаў перыяду, асабліва ў дачыненні да таго, калі яна пачалася. На англійскай мове тэрмін набыла валюта толькі ў 1940-х гадах, у працах Bukofzer і Пол Генры Ланг.

Як і ў канцы 1960 года было яшчэ значная спрэчка ў акадэмічных колах, у прыватнасці, у Францыі і Вялікабрытаніі, няхай гэта было сэнс, каб камяк разам музыку як разнастайныя, што Якопа Перы, Даменіка Scarlatti і J.. Бах пад адной рубрыкай. Тым не менш, тэрмін стаў шырока выкарыстоўваецца і прыняты для гэтага шырокага спектру музыкі. Гэта можа быць карысна адрозніваць барока з абодвух папярэдніх (рэнесанс) і наступныя (класічныя) перыяды музычнай гісторыі.

Гісторыя

перыяд барока дзеліцца на тры асноўныя фазы: рана, сярэдзіна, і позна. Нягледзячы на ​​тое, што яны перакрываюць час, яны ўмоўна датаваныя ад 1580 да 1630 года, з 1630 да 1680, а з 1680 да 1730.

ранняй барочнай музыкі

Фларэнтыйская Камерата была група гуманістаў, музыкаў, паэтаў і інтэлектуалаў у канцы рэнесансу Фларэнцыі, якія сабраліся пад патранажам графа Джавані-дэ-Бардзі, каб абмеркаваць і накіроўваць тэндэнцыі ў мастацтве, асабліва музыкі і драмы. Са спасылкай на музыку, яны на аснове іх ідэалаў на ўспрыманне класічнай (асабліва старажытнагрэцкага) музычнай драмы, якая цэніцца дыскурс і oration. Такім чынам, яны адхілілі свае сучаснікі выкарыстоўваюць паліфанія і інструментальнай музыкі, і абмеркавалі такія старажытныя грэчаскія музычныя прылады, як манадыт, які складалася з сола спевы суправаджаецца kithara. Раннія рэалізацыі гэтых ідэй, у тым ліку Якопа Peris Dafne і Leuridice, адзначыў пачатак оперы, які, у сваю чаргу, некалькі каталізатара для барочнай музыкі.

у дачыненні да тэорыі музыкі, тым больш шырокае выкарыстанне фігурнага басу (таксама вядомы як дбайнае бас) уяўляе сабой развіваецца значэнне гармоніі, як лінейныя прынцыпы поліфаніі. Harmony з'яўляецца канчатковым вынікам контрапункта, і фігурныя бас з'яўляецца візуальным прадстаўленнем гэтых гармоній, якія звычайна выкарыстоўваюцца ў музычнай прадукцыйнасці. Кампазітары пачалі адносна сябе з гарманічнымі прагрэсамі, а таксама выкарыстоўвалі Tritone, ўспрымаецца як нестабільны інтэрвал, каб стварыць дысананс. Інвестыцыі ў гармоніі таксама існавалі сярод пэўных кампазітараў у рэнесанс, у прыватнасці, Карла Gesualdo; Тым не менш, выкарыстанне гармоніі рэжысёра ў адносінах да танальнасці, а не мадальнасці, адзначае зрух ад рэнесансу ў перыяд барока. Гэта прывяло да ідэі, што акорды, а не нататкі, можа забяспечыць пачуццё закрыцця-аднаго з асноўных ідэй, якія сталі вядомыя як танальнасць.

уключыўшы гэтыя новыя аспекты кампазіцыі, Клаўдыё Мантэвердзі прасунуў пераход ад стылю Адраджэння музыкі да таго, што ў перыяд барока. Ён распрацаваў дзве індывідуальныя стылі кампазіцыі - спадчына эпохі Адраджэння (Prima Pratica) і новай тэхнікі Basso Continuo з барока (Seciara Pratica). З напісаннем оперы Lorfeo і lincoroNazione дзі папоркі сярод іншых, Monteverdi прынесла значную ўвагу на новы жанр оперы.

Сярэдняя барочная музыка

Узлёт цэнтралізаванага суда з'яўляецца адным з эканамічных і палітычных асаблівасцяў таго, што часта пазначаны ўзрост абсалютызму, персаніфікаваны Луі XIV Францыі. Стыль палаца, і судовая сістэма манераў і мастацтваў ён спрыяў стаў мадэллю для астатняй часткі Еўропы. Рэаліі росту царквы і дзяржавы патранажа стварылі попыт на арганізаванай публічнай музыкі, так як павелічэнне даступнасці інструментаў, створаных попыт на камерную музыку.

Сярэдні барока абсалютна не падшыпнік наогул на тэарэтычнай працы Ёган Fux, які сістэматызаваў строгі контрапункт характарыстыкі больш ранніх узростаў у сваім gradus аб'явы paranassum (1725).

адзін загадзя вядомае прыклад суда стылі кампазітара Жан-Батыст Lully. Ён набыў патэнты з манархіі, каб быць адзіным кампазітарам опер для караля і прадухіліць іншыя ад наяўнасці оперы пастанавілі. Ён завяршыў 15 лірычных трагедый і левага недабудаванага achille і інш polyxène.

музычна, ён не ўстанаўлівае радок дамінуюць норму для аркестраў, які быў успадкоўваецца ад італьянскай оперы, і характэрна французскі пяці часткі дыспазіцыі (скрыпкі, альта-у Верхніх супраць, тайлес і квінтах памеры-і Бас-скрыпцы) былі выкарыстаны ў балеце з моманту Луі XIII. Ён зрабіў, аднак, увесці гэты ансамбль да лірычнага тэатра, з верхнімі часткамі часта ў два разы рэкордары, флейты, і гароды, і бас Басбоны. Трубы і kettledrums часта дадалі для гераічных сцэн.

Arcangelo Corelli памятаюць як уплывовыя для яго дасягненняў на другім баку музычнай тэхнікі-як скрыпач, які арганізаваў метад скрыпкі і педагогікі-і ў чыста інструментальнай музыкі, у прыватнасці, яго прапагандысцкай і развіцця канцэртаў. У той час як Lully быў ensconed ў судзе, Corelli быў адным з першых кампазітараў, каб апублікаваць шырока і мець сваю музыку выкананню па ўсёй Еўропе. Як з Lullys стылізацыі і арганізацыі оперы, канцэрт Grosso пабудаваны на моцных кантрастаў участках чаргуюцца паміж тымі, гулялі поўным аркестрам, і тыя, якія гулялі меншыя групы. Дынаміка былі Терраса, гэта значыць з рэзкім пераходам ад гучна мяккай і назад. Хуткія раздзелы і павольныя секцыі былі супастаўляюцца адзін супраць аднаго. Пранумараваныя сярод сваіх студэнтаў з'яўляецца Антоніа Вівальдзі, які пазней складаецца сотні твораў, заснаваных на прынцыпах у Corellis Trio Sonatas і Concerti.

У адрозненне ад гэтых кампазітараў, Dieterich Buxtehude ня быў істота суда, але замест гэтага быў царкоўным музыкам, правядзенне паведамленняў арганіста і Werkmeister ў Marienkirche ў Любеку. Яго абавязкі, як Werkmeister ўдзельнічае ў якасці сакратара, казначэй, і бізнес-менеджэр царквы, у той час як яго пазіцыя ў якасці арганіста ўключалі ў сябе гуляць на ўсе асноўныя паслугі, часам у супрацоўніцтве з іншымі інструменталістамі або вакалістамі, якія таксама былі аплачаныя царквы. Цалкам за межамі сваіх афіцыйных царкоўных пошлін, ён арганізаваў і накіраваў канцэртную серыю, вядомы як TheAbendMusiken, які ўключаў спектаклі святых драматычных работ лічыцца яго сучаснікамі, як эквівалент опер.